Bauhaus e informalismo

Espacialismo

Lucio Fontana-atesa

El espacialismo es una tendencia pictórica desarrollada en Italia por el argentino Lucio Fontana en la década de los años cincuenta del siglo XX. mediante la discontinuidad física del lienzo. Para ello realizó una serie de obras a las que tituló “Concetto Spaziale” (concepto espacial). En 1946, publicó en Buenos Aires su célebre “Manifesto bianco” (manifiesto blanco); y en 1947, fundó en Italia el grupo “Spazialismo” (espacialismo). Los planteamientos teóricos del grupo se dieron a conocer en su primer “Manifiesto del Espacialismo” (1947) firmado por Kaisserlian, Joppolo, Milani y Fontana. Posteriormente difundieron otros cinco manifiestos.

El espacialismo está encuadrado dentro del informalismo y, hasta cierto punto, puede considerarse como una variante de la pintura matérica.

- Búsqueda de un arte libre de todo contenido formal, objetivo o ilusionístico (“artificios estéticos”).

Fontana postulaba un “arte libre de todo artificio estético”, lo que le llevó a investigar las posibilidades espaciales de la pintura

- Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo: el espacio queda definido mediante una serie de acuchillados, tajos o agujeros espaciados en la superficie de la obra. De esta manera el lienzo se conecta con el espacio real circundante que irrumpe en el contexto del cuadro.
- En algunas obras, acentuación o resalte del concepto espacial creado por los tajos o perforaciones, mediante su combinación con acumulaciones de pintura y de otras materias sobre la superficie del lienzo.
- Empleo de colores planos y fondos generalmente monocromáticos.

CONTEXTO

Surgido en la década de los cincuenta. En el ambiente de la postguerra, que coincide aproximadamente con el nacimiento del Expresionismo abstracto en Nueva York. Fontana ya no encuentra en el realismo el camino que le permita expresar sus inquietudes y da a la luz su primer “Manifiesto espacial”, El espacialismo combina ideas del movimiento Dadá, el tachismo y el arte concreto Fontana dese.aba crear arte «para la nueva era» que mostraría el «auténtico espacio del mundo». Lo que diferenciaba este movimiento del expresionismo abstracto era el concepto de erradicar o apartar el arte del caballete y la pintura, e intentar captar el movimiento y el tiempo como los principales principios de la obra. Los espacialistas, a menudo, construían sus cuadros y composiciones con clavos y varios objetos, los pintores espacialistas no coloreaban la tela, no la pintaban, sino que creaban sobre ella construcciones que demostraban a los ojos del espectador como, también en el campo puramente pictórico, existía la tridimensionalidad.
El legado que dejó Fontana fue uno de artistas conceptuales y artistas ambientales que continuarían sus ideas de trascender el lienzo y entrar en el reino de la realidad.

ANTECEDENTES
Se puede fechar la aparición oficial del movimiento en Milán Ítala en 1947, Partiendo del manifiesto blanco. Publicado por L. Fontana en Buenos Aires y en el que se valora el espacio en blanco, considerado en si mismo como vacío. Las formas extremas se encuentran en las obras de Fontana, cuyo único elemento pictórico formal lo constituyen perforaciones, cortes o hendiduras
Realizados sobre la misma tela cubierta de algún color plano. Este movimiento busca, la absoluta libertad del artista, en este caso mediante el recurso a la progresiva simplificación de las formas, que lo hace estar muy próximo a los planteamientos minimalistas y del arte conceptual.
Esta tendencia se encuadrada dentro del informalismo y, hasta cierto punto, puede considerarse como una variante de la pintura matérica.

INFLUENCIAS
Jean Dubuffet Pintor francés. En la década de los años cincuenta su obra se centra en la experimentación con los materiales, convirtiénse en un representante del informalismo. Está ligado al nacimiento del concepto de Art brut. El arte de aquellas personas sin ningún tipo de educación artística, marginados, locos, presos que no estaban contaminados y creaban objetos “no culturales” basados en sus propias fuentes.

MANIFIESTOS ESPACIALISTAS
Los espacialistas difundieron sus ideas en forma de manifiestos y folletos. Entre los documentos más importante de este tipo están:

Manifesto blanco (Manifiesto blanco) de Fontana, publicado en Buenos Aires en 1946
Primo manifesto dello Spazialismo (Primer manifiesto del espacialismo) de Beniamino Joppolo, 1947
Secondo manifesto dello Spazialismo (Segundo manifiesto del espacialismo) de AntoninoTullier, 1948
Proposta di un Regolamento del Movimento Spaziale
Manifesto técnico dello Spazialismo (Manifiesto espacial) de Fontana, 1951.

CARACTERÍSTICAS
- Gran preocupación por el aspecto físico y técnico.
- Creación de efectos matéricos y de forma muy expresivos, mediante estratificación de colores mezclados con materias diversas como arena, serrín, yeso, vidrios rotos, etc..
- Inserción en la pintura de arpilleras, maderas, harapos, chatarra, etc. (Burri, Millares).
- Utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras (Burri, Millares, Fontana).
- Planteamiento cromático muy diverso: desde tonos suaves y evanescentes (ocres, rosas, verdes y azules pastel) de Fautrier, hasta colores planos y fondos monocromos de Fontana, pasando por los colores sangrientos y dramáticos de Burri y Millares.
- La obra se organiza con oposiciones de materia y no materia.
- Ausencia de perspectiva y de forma.
- Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo.

ARTISTAS

El movimiento tuvo como principal integrante a Lucio Fontana y sus otros participantes fueron: Lucio Fontana, André Breton, Jean Dubuffet, Guido Antoni, Mario Deluigi, , Beniamino JoppolO, Tancredi (Tancredi Parmeggiani), Giorgio Kaisserlian, Cesare Oeverelli, Giuseppe Tarantino, Alberto Viani.

LUCIO FONTANA

concepto espacial, escultura, Lucio Fontana

(1899-1968), Nació en Rosario, Santa Fe (Argentina), en 1899. Escultor y pintor argentino formado en Italia, donde pasó la mayor parte de su vida.
Se formó en la Academia de Brera de Milán y fue discípulo de A. Wildt. En los años treinta, estuvo en contacto con el movimiento abstracto lombardo y con la Abstraction-Création. Residió algunos años en París y, durante la II Guerra Mundial, en su país natal. En 1946 elaboró el Manifiesto blanco, declaración de poética espacialista que se concretaría en las obras realizadas tras su regreso a Italia en 1947: los ambientes, proyectados para no ser ni pintura ni escultura, sino «formas, colores, sonidos a través del espacio», y los conceptos espaciales, donde el problema del espacio se afronta a través de la perforación o el corte de la base utilizada (papel, tela, etc.).Las obras más famosas de Fontana fueron sus lienzos acuchillados o rasgados, con una hoja de afeitar o con un cúter, que se rompían justo en el lugar de la pintura. Son los famosos tagli nella tela (cortes en la tela): telas monocromáticas en las que se practicaron incisiones. De este modo se comprende que en los lienzos existía la profundidad.
Inició sus actividades creativas mostrando claras influencias de las últimas vanguardias, combinando dedicación a la pintura y la escultura, para pasar algo más tarde por una fase realista.

concepto espacial, Lucio Fontana

GUIDO ANTONI

Relacion hombre espacio, Guido Antoni

relacion hombre espacio, Guido Antoni.

ALBERTO VIANI

forma femenina, Alberto Viani.

forma, Alberto Viani.

BENIAMINO JOPPOLO

sin titulo, Beniamino Joppolo

ARTE BRUTO – ARTE MARGINAL

Jean Dubuffet “Dhotel sombra de albaricoque”

Surge en Francia mediado de los años cuarenta de la mano de Jean Dubuffet. Esta dentro del informalismo, pudiendo clasificarse como una fusión de estética neofigurativa (neo figuración) y de pintura materica.

Dubuffet definió el ¨Art Brut¨ como: ¨toda clase de producciones que presentan un carácter espontaneo y fuertemente imaginativo¨ (en francés, ‘arte en bruto’), término fijado por el pintor vanguardista francés Jean Dubuffet para designar el arte creado por personas que son ajenas a las formas de expresión artística y a los valores culturales tradicionales y que pintan espontáneamente para satisfacer una necesidad interior.

El concepto del arte popular, imposible de fechar, surgió de la noción del «pueblo», la misma que aparece en la Revolución. Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales.

Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales. Se diferencia del arte naïf en que éste está realizado de cara a un reconocimiento público, mientras que el impulso que hay tras el Art Brut es de carácter totalmente íntimo. La creatividad del arte bruto o «arte fuera de las normas» halla su inspiración en este mismo abordaje del arte popular.

CONTEXTO

En 1945, el artista Jean Dubuffet realiza prospecciones del arte de los primitivos y los dibujos de los enfermos mentales.

En 1948 crea la compañía del Arte Bruto en París, con los escritores André Breton y Jean Paulhan y publica un manifiesto «El arte bruto preferido a las artes culturales».

En 1967, el museo de las Artes Decorativas de París le dedicará una gran exposición.

Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales.

Dubuffet comenzó a coleccionar piezas de este arte en 1945 y, en 1948, junto con André Breton y otros, fundó la Compagnie d’Art Brut. En 1967 se expusieron en el Museo de Artes Decorativas de París cerca de 5.000 obras de la colección de Dubuffet, de las que gran parte estaban realizadas por pacientes de hospitales psiquiátricos, y en 1972 fueron presentadas en la ciudad de Lausana. Dubuffet incorporó la franqueza e inocencia del Art Brut a su propia obra pictórica y escultórica, que recibió gran aceptación por parte del público y de la crítica, cosa que iba en contra de la característica anticomercial que él tanto admiraba en el genuino ‘arte en bruto’.

ANTECEDENTES

En el año 1922, el psiquiatra Hans Prinzhorn, quien trabajaba en la Heidelberg Psychiatric Clinic, publica el primer estudio detallado de las expresiones visuales de personas internadas. Prinzhorn sostiene que la expresión artística de estas personas emerge de la misma fuente que cualquier otra expresión plástica profesional, clasificándolos en el de expresión, el del juego, el decorativo ornamental, el que marca el ritmo y la regla, el copiado y el de la necesidad de lo simbólico. Valoriza extremadamente la producción realizada por los enfermos.

Demostrando que una pulsión creadora, una necesidad de expresión instintiva sobrevive a la desintegración de la personalidad, señala: “Nuestros pacientes se encuentran en contacto, de manera totalmente irracional, con las más profundas verdades, y muchas veces revelan, inconscientemente, visiones de trascendencia. Reencontramos así, en un contexto diferente, la idea de la existencia de formas de expresión psíquica y de objetos de formas correspondientes que en todos los hombres, en determinadas condiciones, serían casi idénticas, como los procesos fisiológicos”. La obra de Prinzhorn rápidamente ejerció influencia en el medio artístico (Alfred Kubin, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Max Ernst, Andre Breton).

Entre 1929 y 1933, varias exposiciones temporarias fueron realizadas en Francia, Alemania y Suiza. En 1933 la clínica de Heidelberg es tomada por el nazismo. Carl Schneider instala el programa de exterminación de los enfermos mentales y usa la colección para fines de propaganda nazi. Se inicia una serie de exposiciones en Alemania y Austria comandada por Joseph Goebbels, que comparaba despreciativamente el acervo de Heidelberg con obras de artistas de arte moderno, como Cézanne, Van Gogh, Klee, Kandinsky, Kokoshka, Chagall y otros .Estas exposiciones tenían como título “Arte degenerado” allí se presentan alrededor de 600 obras de arte contemporáneo, que habían sido confiscadas las semanas anteriores por los nacionalistas en los museos alemanes.

INFLUENCIAS

Las creaciones plásticas de los niños, enfermos mentales y gente marginada. También influencia de Jean Fautrier (pintura materica), del dadaismo y de Paul Klee (abstraccion).

Jean Dubuffet, artista francés que rechazó la abstracción y apostó por el arte figurativo primitivista tratando de recuperar el valor expresivo de la pintura de los niños y locos. En sus obras experimenta con diversos materiales encolados: tierra, serrín, hojas…

Jean Dubuffet es el padre del “Arte Brut” que se acerca a los instintos, pasiones, deseos, violencia y delirios del hombre salvaje. Las reminiscencias de nuestros impulsos más primitivos ajenos a la lógica y a la razón se reflejan en sus “collages” terrosos (pintura matérica) formados por rascaduras e incisiones en la superficie. La pintura de Dubuffet supone un brusco flash-back temporal para nuestros sentidos.

Desde mediados del siglo XX, el arte marginal – art brut y outsider art – sirvió a aquellos artistas al margen de la sociedad para expresar sus inquietudes y sentimientos.

El influjo de estos artistas marginales (excéntricos) en los artistas profesionales fue intenso en algunos de ellos y de la talla de Paul Klee, Miró, Schiele, Tàpies…

El interés por el arte marginal vino de la mano de la psiquiatría en un intento de comprender los misterios de la mente humana (el subconsciente). La espontaneidad de lo marginal resultaba atrayente.

Algunos artistas interesados en el art Brut a lo largo del siglo pasado han sido:

* Pearl Alcock, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Vassily Kandisky, Antoni Tàpies, Henri Rousseau…

CARACTERISTICAS

- Rechazo de lo bello.

- Carácter tosco, espontáneo, grotesco e irreflexivo, cercano a lo inconsciente.

- Creaciones que reflejan el mundo interior del artista.

- Rechazo de los planteamientos tradicionales del arte (coherencia, organización, homogeneidad…).

- Expresión de miseria y deformación.

- Gran libertad de trazo y cromática (al principio predominio de colores terrosos, después colores más claros y variados).

- Utilización de materiales muy diversos mezclados con la pintura (alquitrán, arena, cemento, hojas, alas de mariposa, trozos de madera, etc.).

- Creación de efectos matéricos muy expresivos.

- Temas únicos desarrollados durante largas temporadas (cabezas, figuras, vacas, paisajes urbanos). Paisajes imaginarios (bosques animados), ciudades fantásticas, sueños fantásticos, cuentos obsesivos, el cuerpo y el erotismo, rostros y máscaras, lenguas sorprendentes, el universo y la naturaleza enigmática.

Artistas-Arte bruto

Adolf Wölfli (1864-1930)
Joseph Crépin (1875-1948)
Augustin Lesage (1876-1954))
Aloïse Corbaz (1886-1964)
Jean Dubuffet (1901-1985)
Robert Tatin (1902-1983)
Gaston Chaissac (1910-1964)
Ossorio (1916-1990)
Tarcisio Merati (1934-1995)
René Chomeaux, llamado Chomo (n. 1924)
Paul Salvador Oroverde (n. 1960)

JEAN DUBUFFET

Dubuffet nació en Le Havre. Se mudó a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, y algunas veces, su obra parece primitiva o infantil.

Muchas de sus obras son montajes que combinan objetos encontrados con otros elementos en un todo tridimensional, como Puerta con grama (1957, Museo Guggenheim, Nueva York), compuesta principalmente de fragmentos de cuadros, hierba y guijarros; algunos de sus trabajos fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. A principios de la década de 1960 realizó una serie de pinturas de enorme destreza semejantes a rompecabezas, como Nunc Stans (1965, Museo Guggenheim), en las que predominan figuras y cuerpos diminutos, con colores oscuros y muy pegados unos a otros; produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul En su última época realizó grandes esculturas de resina de poliéster pintadas. En todas sus obras la violencia queda atenuada por los elementos de vitalidad y humor atrevido.

OBRAS