Walter Gropius

Nacido en 1883, en Berlín. Estudio arquitectura en Múnich (1903) y Berlín (1905-07), de 1908-1910 colaboro en el estudio de Peter Behrens. En 1911 comienza a realizar el edificio Fagus-Werk en Alfeld. En 1919 siendo director del consejo de arte en Berlín, va a Weimar como director de la escuela superior de Arte, de la cual surge la fundación de la bauhaus estatal de Weimar, es director de esta escuela hasta 1928, maestro de forma en la carpintería, y realizo el nuevo edificio de la Bauhaus en Dessau en 1925-26 cuando por situación económica y política la escuela es trasladada. Su participación en la escuela estuvo en constante movimiento, haciendo posible el propósito de unificación de la arquitectura, las artes y la artesanía. Luego de su retiro como director se dedica a realizar conferencias sobre los problemas de la nueva construcción y la bauhaus. De 1934 a 1937 trabaja en Londres, y es llamado a Graduate School of Desing en Harvard/EEUU. Y en 1946 realiza el archivo Bauhaus en Darmstadt. Muere en 1969 en Boston.

Fagus-werk en Alfeld, de Walter Gropius y Adolf Meyer, 1911

Junto con Adolf Meyer construyen la casa Sommerfeld, Berlín, 1920-21, convirtiéndose en el primer gran proyecto en común de la bauhaus y el mas hermoso ejemplo del intento de crear una “obra de arte unitaria” la decoración exterior e interior esta inseparablemente unida al edificio, evidenciando al lado de las formas expresionistas.

Walter Gropius y Adolf Meyer: casa Sommerfeld, Berlín, 1920-

En la elaboración de la casa Sommerfeld, encarada a gropius aprovechando los restos de un barco de guerra naufragado, participaron todas las áreas de trabajo que hacían parte de la Bauhaus, como Joost Schmidt en la talla de las escaleras, los sillones en manos de Marcel Breuer, contrastes de ritmo, forma y dirección de la clase de Johanes Itten, determinaron los relieves planos, suavizados por la dura madera de teca. Josef Albers realiza la ventana de vidrio de colores para la caja de la escalera, 1922.

Josef Albers: ventana de vidrio de colores

bauhaus de dessau, W. Gropius

casa de maestros

JOHANNES ITTEN.

Johannes Itten

Personaje más importante de la primera fase de la bauhaus, su principio pedagógico puede describirse con parejas de opuestos: (Intuición y método) o (capacidad de vivencia subjetiva y capacidad de reconocimiento objetivo). Ejercicios de movimiento y respiración iniciaban con frecuencia la clase, solo así con los estudiantes relajados, el podía direccionar la clase, encontrar el ritmo y a continuación la creación armónica de ritmos. Las horas de clase estructuradas en torno a tres puntos centrales: bocetos de la naturaleza y la materia, el análisis de viejos maestros y la clase de desnudo. De igual forma planteaba el aprendizaje de contraste, forma y color. En contraste se incluían pares dl tipo áspero-liso, afilado-romo, duro-blando, claro-oscuro, esto proporcionaba a los alumnos a familiarizarse con los materiales para trabajar en el taller. En la clase de forma se trabajan con figuras elementales círculo, cuadrado, triángulo, atribuyéndole a cada una un determinado carácter como el círculo era fluido y central, el cuadrado sereno y el triángulo diagonal. Otro punto valido en la enseñanza de Itten eran las clases de desnudo, donde dibujaban desnudos femeninos, donde posaban con frecuencia sus mismas alumnas aunque vestidos, puesto se trataba de representaciones rítmicas del desnudo no concepciones fieles a la realidad; pedagogía apropiada por las vanguardias de la época en dejar de copiar y proporcionarle al alumno la necesidad de proponer y diseñar. Itten tuvo gran influencia en la formación de muchos de sus estudiantes como fue el caso de Georg Muche que posteriormente fue contratado en la bauhaus.

Johannes Itten: Casa del hombre blanco,1920.

Pero su pedagogía y pensamiento empezaron con el tiempo a chocar con los postulados que Gropius había fomentado en la Bauhaus, pues Itten proponía realizar un trabajo individual en contraposición al mundo económico exterior, o el buscar el contacto con la industria, conflicto que se fue incrementando y llevándolo anunciar su dimisión, en abril de 1923, abandonando la bauhaus.

Ante este hecho, comentaba Schlemmer en 1921: la dimisión de Itten dejaba vía libre para una nueva educación, en cuyo centro no estaba el individuo, sino el logro de nuevos productos industriales, al mismo tiempo perdieron relevancia el trabajo manual y la artesanía que, según Itten, estaba al servicio de la formación humana.

Los sucesores de Itten , Josef Albers y László Moholy-Nagy, debían ajustarse al concepto de Itten en sus cursos preparatorios, pero se alejaron de los elementos relacionados con la formación individual de la personalidad.

Gunta Stölzl

PAUL KLEE.

Paul Klee

Sin experiencia en la pedagogía, pero gozando de buena reputación en los círculos vanguardistas en 1921 asume su posición en la Bauhaus, transformo el aprendizaje de la forma, en un aprendizaje pictórico de la forma. Analizando en primera instancia sus propios cuadros, como es el caso de la baya silvestre, acuarela que ha surgido de dos colores del arcoíris: amarillo y violeta, el negro y el verde refuerzan el contraste.

Klee iniciaba las clases con ejercicios sobre tela formas básicas, mas tarde seguía el tema colores básicos, abriendo paso a diferentes tipos de composición, mediante la proporción, el giro, la reflexión, abriéndose un inagotable campo de trabajo.

Aunque Klee reflexionaba sistemática y extensamente sobre las experiencias y conocimientos que había acumulado en su producción pictórica hasta 1922, se incluyen aquí incontables modos de proceder, que los alumnos también debían analizar en otros cursos, síntesis y análisis, eran dos partes esenciales del aprendizaje artístico de klee.

Paul Klee: Baya silvestre, 1921.

Gertrud Arndt: estudios de la clase de Klee, 1923-24

WASSILY KANDINSK:

Wassily Kandinsky

Inicia su trabajo en la bauhaus, en 1922 tomando el taller de pintura mural, que se encuadraba en el marco del amplio curso de forma, una clase de morfología del color. Al igual que Klee, sus clases eran síntesis y análisis como puntos de partida para su trabajo. Ya con un pasado manifestado en 1912, con su libro “De lo espiritual en el arte” plantando el carácter de determinados colores cuando presentan un determinado efecto. Llenando el vacío que en las clases de Itten se tenía en cuanto al aprendizaje del color, teniendo como punto de partida los colores amarillo rojo y azul, y las formas circulo, triangulo y cuadrado; Interesado por el efecto del color. Kandinsky pretendía representar los objetos de tal forma que fueran solo “recuerdos” y evocaran asociaciones. La composición había de sufrir efecto a través de elementos formales (color, orden en la superficie del cuadro), ya que él le determinaba a cada color un efecto en particular. El amarillo era para él un color típicamente terrestre, que le recordaba una trompeta soplada agudamente, el violeta era enfermizo y triste. En dibujo analítico, los alumnos seguían el camino seguido por Kandinsky, del objeto a la composición. Planteado en su libro “Punto y línea sobre plano” publicado en 1926, convirtiéndose en su primer libro de análisis de los elementos pictóricos.

Ida Kerkovius: análisis lineal de una naturaleza muerta

Wassily Kandinsky: alegre ascencion.litografia

MARCEL BREUER.

Marcel Breuer

Nace en 1902 en Pécs, Hungría. Alumno en la bauhaus de 1920 a 1924, aprendiz en el taller de carpintería, en 1925 inicia su docencia, hasta 1928, siendo el director del taller de muebles.

En 1925, realiza su primer sillón de tubos de acero. Se desempeño de igual forma en decoración de interiores, para las mismas construcciones de la bauhaus.

Sus trabajos lo han catalogado como uno de los más significativos diseñadores de muebles y arquitectos de interiores del siglo XX.

Marcel Breuer: silla de listones de madera, 1923.

Siendo el taller de muebles uno de los primeros en desarrollar tipo, Marcel Breuer diseña la silla de listones, realizada como tipo para la producción industrial, no se puede descartar la dominante influencia de los muebles que desde 1917 ejecutaba Gerrit Rietveld. El aspecto completamente nuevo y vistoso de los muebles de la bauhaus radica en su análisis y estudio de la funcionalidad, tras haber estudiado en profundidad los actos de sentarse, el punto de partida para la silla era el problema de estar cómodamente sentado, unido a la construcción más simple, llegando a fijar las siguientes exigencias:

1. Asiento y respaldo elásticos, pero ningún acolchado, porque es pesado, caro y coge polvo.
2. Posición inclinada del tronco, y del asiento, pues así se apoya el muslo en toda su longitud sin ser oprimido, como en el asiento horizontal.
3. La columna vertebral ha de quedar libre, porque cualquier presión sobre la misma seria incomoda e insana. Gracias a la aplicación del respaldo elástico , en donde solamente se apoyan las caderas y los omoplatos dejando la columna libre de apoyo.

mesa de casa

Marcel Breuer: butaca plegable

La total renuncia a un justificante artístico de la forma correspondiente a la ideología de la bauhaus de esta época, de acuerdo con la cual el arte debía ceder a favor de la artesanía, se quería suprimir del vocabulario la palabra arte. Aunque un crítico de la bauhaus escribiría en aquellos años al respecto: “También la silla bauhaus es una creación artística, y es superfluo si su forma es debida a razones técnicas o no. Esa es su forma por que el artista así lo ha querido“.

Marcel Breuer: muebles para habitacion fenenina.

OSKAR SCHLEMMER
.

Oskar Schlemmer

Principal maestro de la pintura mural, a partir de 1922 lo tomo Kandinsky, pues Oskar se dedico al taller de teatro en 1923. En el taller de pintura mural, se dedico  a combinar pintura y escultura para realizar sus relieves de revoque pintado, jugando así con los contrastes levantado-acostado, masculino-femenino, persona-arquitecto. Pero él apenas veía posibilidades de trabajo en relación con la idea bauhaus. “No podían realizar arte libre, porque nos lo impide nuestra consciencia”. Mencionaba Schlemmer al respecto de su taller. Durante su periodo en la bauhaus, le dedico un momento muy significativo al teatro, del cual fue maestro desde 19223 hasta su disolución en 1929, gira con el teatro bauhaus en 1928-29, por Alemania y suiza, al lado de las escenificaciones de las “danzas bauhaus”, se dedico en estos años a la pintura mural, realizando alternamente presentaciones de teatro para la Opera Kroll de Berlín.

oskar Schlemmer plano mural edificio bauhaus en Weimar.

Oskar Schlemmer:“Juego con cabezas”, 1923

Oskar Schlemmer: Lamina del cartapacio

JOOST SCHMIDT.

Joost Schmidt

Tipógrafo y escultor, nace en 1893 en Wunsdorf, Hannover, Inicio sus estudios en la escuela de bellas artes del gran Ducado de Sajonia en Weimar, después de participar en la primera guerra mundial estudia en la bauhaus de 1919 a 1925, primeros trabajos tipográficos en 1923. Pasa a ser profesor en la bauhaus en 1925 hasta 1932, director del taller de escultura, desde 1928, dirije la sección de publicidad.

Joost Scmidt: Puerta de entrada de la casa Sommerfeld.

Joost Schmidt: cartel

Joost Schmidt; folleto para la ciudad de Dessau, 1931

Irene Hoffman: montajes fotográficos.

LYONEL  FEININGER.

Lyonel Feininger

Lyonel Feininger: portada

Lyonel Feininger: Lamina

LÁSZLÓ MOHOLY-NAGY.

László Moholy-Nagy

László Moholy-Nagy:grabado en linóleo

Hin Bredendieck, escultura

MARIANNE BRADT.

Marianne Grandt

Marianne Brandt: servicio de plata, 1924.

Marianne Brandt: tetera, 1924.

Marianne Brandt y

Pintura materica

plastico rosa, Alberto Burri

La pintura matérica es una tendencia del informalismo que se desarrolla en Europa hacia finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta del siglo XX.
Los artistas franceses Fautrier y de Dubuffet fueron los creadores simultáneos de esta tendencia. Fautrier expuso por primera vez en 1945 en la galería Drouin de París, donde llamó mucho la atención la textura y efectos matéricos de sus cuadros. Por otra parte, Dubuffet también realizó obras ricas en textura y materia, que denominó “art brut” (arte tosco, bruto) por parecer hecha con la espontaneidad y libertad con la que se expresan los niños, los locos o los aficionados.
Una variante de la pintura matérica es el espacialismo de Fontana.

CARACTERISTICAS

- Gran preocupación por el aspecto físico y técnico.

- Creación de efectos matéricos y de forma muy expresivos, mediante estratificación de colores mezclados con materias diversas como arena, serrín, yeso, vidrios rotos, etc…
- Inserción en la pintura de arpilleras, maderas, harapos, chatarra, etc. (Burri, Millares).
- Utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras (Burri, Millares, Fontana).
- Planteamiento cromático muy diverso: desde tonos suaves y evanescentes (ocres, rosas, verdes y azules pastel) de Fautrier, hasta colores planos y fondos monocromos de Fontana, pasando por los colores sangrientos y dramáticos de Burri y Millares.
- La obra se organiza con oposiciones de materia y no materia.
- Ausencia de perspectiva y de forma.
Artistas que tienen una tendencia matérica son:

• Giuseppe Bertini
• Joseph Beuys introdujo en su obra objetos encontrados, creando trabajos pictórico-plásticos;
• Alberto Burri, usó arpillera quemada y destruida, junto a zonas coloreadas;
• Jean Dubuffet
• Jean Fautrier
• Lucio Fontana
• Manolo Millares
• Toti Scialoja

Antoni Tàpies, con sus añadidos de arena y aglutinantes a la pintura, haciendo hendiduras y rayas en el propio cuadro.

ANTONI TAPIES

claro-oscuro, Antoni Tapies

Antoni Tàpies i Puig (Barcelona, 13 de diciembre de 1923) es un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.
De formación autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinan la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.
La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003).
“La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración.”

espiral, A. Tapies

Técnica

En su obra más característica dentro del informalismo matérico, Tàpies emplea técnicas que mezclan los pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve.
Tàpies define su técnica como “mixta”: pinta sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal, disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplica la “mixtura”, mezcla de polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.^[37]
Cuando está casi seco hace un grattage con tela de arpillera, aplicada sobre la superficie, y cuando está adherida la arranca, creando una estructura de relieve, con zonas rasgadas, arañadas o incluso horadadas, que contrastan con los cúmulos y densidades matéricas de otras zonas del cuadro. A continuación, hace un nuevo grattage con diversos útiles (punzón, cuchillo, tijeras, pincel). Por último, añade signos (cruces, lunas, asteriscos, letras, números, etc), en composiciones que recuerdan el graffiti, así como manchas, aplicadas mediante dripping.
No añade elementos de fijación, por lo que las obras se degradan rápidamente -la mixtura es bastante efímera-; sin embargo, Tàpies defiende la descomposición, como pérdida de la idea de la eternidad del arte, le gusta que sus obras reflejen la sensación del paso del tiempo. A ello contribuyen también sus propias huellas en la obra, las incisiones que práctica, que para él son un reflejo de la naturaleza.

mirada y ma, A. Tapies

rectangulo negro y collage, A. Tapies

ALBERTO BURRI

Blanco, Alberto Burri

sin titulo, Alberto Burri

TOTI SCIALOJA

es, Toti Scialoja

marte, Toti Scialoja

soda parlour, Toti Scialoja

Tachismo

Tachismo

Pierre Soulages, pintura 4 enero 2005

El tachismo (en francés, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache – mancha) fue un estilo de pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente europeo al expresionismo abstracto. Otros nombres de este movimiento son l’art informel (similar a la action painting) y abstraction lyrique (relacionado con la abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo Cobra y del japonés Gutai también están relacionados con el tachismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, entre otros.
Según Chilvers, el término tachismo «se usó por primera vez en este sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié Un Art autre (1952).»
Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.

INFLUENCIAS

Término acuñado por el crítico francés Michel Tapié para definir a un estilo de pintura propio de las décadas de 1940 y 1950, en el que priman los brochazos o las manchas de color. Próximo al informalismo, concedía importancia extrema a la creación espontánea e instintiva, excluyendo la planificación formal de la que prescinde también el expresionismo abstracto. Movimiento principalmente francés, entre sus principales representantes encontramos a Jean Fautrier, Georges Mathieu y al alemán Wols (Wolfgang Shulze). Sus lienzos se caracterizan por unos toques de color que pretenden expresar el estado emocional del artista, sin tener en cuenta cuál es el tema de la obra. En el siglo XIX, el término fue aplicado a los impresionistas para marcar el contraste con el neoimpresionismo y el sintetismo de Gauguin, así como a los macchiaioli de Ferrara.

CARACTERISTICAS

- Pintura abstracta no geométrica ni constructivista.

- Carácter gestual-informal marcadamente expresivo.
- En cierta medida evoca la realidad, pero atenuada por la expresión de la línea y el color (carácter lírico).
- Utilización de signos abstractos o arabescos hallados libremente que recuerdan caligrafías o pinturas orientales (Hartung).
- Empleo de manchas o borrones (taches) creados espontáneamente (Mathieu).
- Libertad de esquemas.
- En general, color limitado, casi acromático.
- Realización impulsiva, totalmente espontánea.
- Ausencia de planificación reflexiva previa.

ARTISTAS

JEAN FAUTRIER

Mujer en la noche, Jean Fautrier

París, 1898 – Châtenay (Malabry), 1964
Pintor francés. En 1909 se traslada a Londres a estudiar en la Royal Academy Schools y en la Slade School. En 1917 regresa a París, donde realiza sus primeras obras como reacción al cubismo y dentro de un realismo socialista cercano al estilo de la Nueva Objetividad. Entre 1926 y 1927 atraviesa su llamado período negro con naturalezas muertas, extraños paisajes y desnudos negros, influídos por Derain, realizados con grises, óxidos y ocres de fuerte expresividad. Hacia 1930 abandona el óleo y experimenta su propia técnica con la superposición de capas de pintura espesada con pintura blanca y con papeles encolados recubiertos por diversos materiales sobre los que lleva a cabo la representación del motivo y que le consagran como el precursor incuestionable del informalismo. Dentro de esta nueva estética realiza las series Rehenes (1943) sobre los primeros cuerpos masacrados por los nazis, Objetos (1946-1955), Desnudos (1956) y las Cabezas de partisanos (1956-57). Contrasta la suavidad cromática de los tonos (malvas, rosas, verdes pulidos) con la violencia de la obra. En 1960 se le otorga el Gran Premio de la Bienal de Venecia.

la niña, Jean Fautrier

HANS HARTUNG

composicion 1, Hans Hartung.

Pintor germano – francés. Estudia en las Academias de Leipzig, Dresde y Munich, donde conoce a Kandinsky. A partir de 1922, ignorando las vanguardias, comienza a pintar obras abstractas y en 1926 se establece en París, donde recibe las influencias del cubismo y del fauvismo. Tras un breve retorno a Berlín, se establece definitivamente en París en 1935. A finales de la década de los treinta inaugura su estilo de madurez, caracterizado por unas composiciones basadas en manchas de tonalidades apagadas y fragmentos lineales negros, observándose progresivamente una reducción cromática y una valorización del negro. Se le reconoce como uno de los principales precursores del informalismo y del tachismo . En 1961 su obra sufre grandes cambios decantándose, a partir de entonces, por las raspaduras (“grattage”) en la pasta fresca y, más tarde, por los fondos coloreados recubiertos por un negro opaco. Sus últimas obras quedan sometidas a la mutación formal debido a la utilización de escobillas, peines y ramas que dañan el soporte, exentas de todo grafismo.

sin titulo, Hans Hartung

1985-H13, Hans Hartung

GEORGE MATHIEU

argyropec, G. Mathieu

le seuil monotone

seidentuch, G. Mathieu

NICOLAS DE STAEL

composicion, Nicolas de Stael

paisaje, Nicolas de Stael

SERGE POLIAKOFF

composicion abstracta, Serge Poliakoff

composicion rojo blanco y negro, Serge Poliakoff

PIERRE SOULAGES

21 julio 1958, Pierre Soulages

pintura 1947I, Pierre Soulages